Ton Boelhouwer makes no paintings, but still he paints. His objects in a room can not be looked at but must be experienced by entering them and walking along the multi colored objects. This way experiencing the room in a completely different way. His “paintings” can be walked in. The book i have for sale ( by Hans Janssen ) shows this in a splendid way. It is available at www.ftn-books.com
This approach of painting was a few years ago presented at the Bonnefanten Museum and the Gemeentemuseum where he presented his paintings. The Bonnefanten made a nice introduction with Boelhouwer showing sketches
To my knowledge there are only 4 larger publications on Aline Thomassen
Mieren rennen onder mijn huid, Maurits van der Laar , 1999
The ideal Muslim woman, GEM, 2005
Corps fertiles, 2011
Cherchez la Femme, Bonnefanten museum, 2014.
It looks as only every 3 or 4 years a larger publication by Aline Thomassen is published
Her subjects in most of her paintings is the female figure and the powers that drive the women in the paintings/watercolors. These woman are unpolished, beautiful and at the same time vulnarable, but also in practically all works they look extremely strong.
The woman depicted are Moroccan woman and perhaps this is why these works intrigue so much. You know the subject looks different, the figure is not familiar nor is their pose. This makes the composition not like the ones of many of Thomassen her contemporaries. In this way Aline Thomassen her works have a signature of their own. Highly recognizable because of the use of her subjects, underlined with arab text and practically in every painting the use of a blood red color which emphasizes, without exception, the dramatic compositions she realizes in her works.
Two things i remember about Marien Schouten. First that i read an article on the artist ( Metropolis M??) and soon after that i visited the old Bonnefanten Museum in Maastricht. The exhibition by Schouten i visited solely to see this work for myself and not a little picture in a book. I remember that these paintings were altered and reshaped with pieces of metal and i was very much impressed.
After this special exhibition i have encountered his works on several occasion, but none of these events had the same effect on me as the first Bonnefanten exhibition. At the time of the Bonnefantenmuseum i feld the urge to add, at one time , a work to my collection, but somehow over the years i lost this feeling. But who knows, ….perhaps a nice early painting by Schouten will appear at auction and i feel i must bid on it, because these early works are special and in my opinion belong to the very best art in the Netherlands from the Eighties.
Richard Artschwager started working in the 1960s exclusively as a freelance artist, having completed a science degree and after many years as owner of a furniture workshop. His oeuvre encompassed many style directions: the reduced and clear forms of his objects and paintings reflect minimalism whilst his use of industrially made materials such as Resopal and Celotex take up an element of Pop Art, and his ‘Blps’ mechanisms deploy ideas of conceptual art. This work by Artschwager reminded me of Fons Haagmans who does in some way the same. But where Artschwager tends to become a minimal artist. Haagmans stay’s always far from it and in his form language you always can recognize reality.
Artschwager’s first solo exhibition was in 1965 at the legendary Leo Castelli Gallery in New York. The most comprehensive retrospective of his complete work up till now was opened in 2012 at the Whitney Museum of American Art, New York, moving on to the Hammer Museum, Los Angeles (2013), and the Haus der Kunst, Munchen and the Nouveau Musée National de Monaco in 2014.
Yesterday i wrote about Fons Haagmans and that he reminded me of Richard Artschwager…..why?…. i stil do not know, because when your really compare and study both, there are so many differences to be discovered, but at a glance i still say… they belong to the same family.
For me Fons Haagmans stands for two things. His catalogues published belong to the best dutch art catalogues published over the last 25 years and he is a typical artist of the south. Born and still living in Limburg, in the south of the Netherlands, he had his most important exhibitions at the Bonnefanten museum ( Maastricht) which catalogues are available at www.ftn-books.com
OLYMPUS DIGITAL CAMERA
OLYMPUS DIGITAL CAMERA
OLYMPUS DIGITAL CAMERA
His art is something special and his works ( beside they are related to Artschwager ;-)) are strongly graphical and have a signature of their own.
OLYMPUS DIGITAL CAMERA
nature, Letters/ fonts and numbers are a constant source of inspiration and worked out into joyful , intriguing works of art.
While studying some pictures of Haagmans i noticed some similarities with other artists:
left Fons Haagmans and on the right Samuel Jessurun de Mesquita (1928):
OLYMPUS DIGITAL CAMERA
and left Fons Haagmans and on the right Julie de Graag( ca. 1915)
Roy Villevoy, at one time he was one of the artist who’s name was mentioned by everybody in the art world in the Netherlands. A little like Rob Birza and Marien Schouten, but that was in the late Eighties and early Nineties, but since it has become a little quiet with Roy Villevoy. This is/was my personal idea. Yes, i know he has had his exhibitions in the Netherlands and elsewhere ( Frankfurt catalogue is available at www.ftn-books.com). But i am wrong. Villevoy has been active all these years and i was pleasantly surprised to learn of his solo exhibitions. So for those who missed Villevoy too. Here is the list with his solo exhibitions as found on his site http://www.royvillevoye.com and the VIllevoy Hollandse Meesters documentary on Youtube:
2008 Detours, Films, Photographic Works, Installations (including collaborations with Jan Dietvorst), (*), Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, NL
2007 Black Box, Argos, Brussels, BE
2006 Propeller, Art Gallery of the Vanderbilt University, Nashville, US
2005 Propeller, The Photographer’s Gallery, London, UK
2005 Les Néerlandais Voyageurs, Trois expositions d’artistes néerlandais inspirés des cultures lointaines: (Ed van der Elsken, Roy Villevoye, Heringa/van Kalsbeek), Institut Néerlandais, Paris, FR
2004 Propeller, De Hallen, Haarlem, NL
2003 ‘At night we slept in the middle of the clouds. That was difficult. So they told me.’ (*), De Beyerd, Breda, NL
2002 Books and Prints, Stedelijk Museum Amsterdam, Amsterdam, NL
2002 Cinema (*), De Appel, Amsterdam, NL
2002 ‘Wat heb je daar dan gegeten?’, Steendrukkerij Amsterdam, NL
2001 Hunting and Gathering, Galerie Fons Welters, Amsterdam, NL
2001 Rood katoen / Red Calico, semi-permanent project, Rijksmuseum voor Volkenkunde, Leiden, NL
2000 My Bonnie Is Over The Ocean…, Stedelijk Museum Het Domein, Sittard, NL
1999 Passing Time, Stedelijk Museum Bureau Amsterdam, Amsterdam, NL
I have been fascinated by the works of Toon Teeken for some decades now. I first encountered his works in the Bonnefanten Museum Maastricht in 1986 where he had an exhibition at that museum together with Fons Haagmans. I loved both, but slightly preferred the works by Teeken.
Since, i followed his exhibitions at museums and galleries. Because Teeken is represented by gallery Nouvelles Images which is quite nearby and easy for me to visit. I could follow his development as an artist. I love his works but saw them rise in price with every new exhibition and becoming financially out of reach for me, but sometimes you are in luck….. I found one of the most important works by Teeken coming up for sale and made a direct bid for it ….. and won.
I hoped to find a large wall for it at our home, but i miscalculated the space needed for such a large painting and had to store it. It is now stored for some years and it has become clear that there is no space available for it in the future and therfore it is now for sale at ftn-art at a price half of the gallery price. A bargain price for a painting which is much larger than the standard sized ones usually for sale. But this one really needs space being 260 x 200 cm. it is an unsually large work , but when you have an office or conference offices i can highly recommend this one. Affordable and impressive and artistically an important work by a great dutch artist…Toon Teeken.
Its provenance…Artesia bank / Maastricht who had it in their entrance.
Starting this blog with the internet address of Benoit Hermans for those among you who do not know his work. Hermans exhibited on multiple occassions in the Bonnefanten museum , but it took some years and Rudi Fuchs to present his art in Amsterdam. It was in the late nineties that he first received an exhibition in Amsterdam at gallery van Dieten and participated in the Stedelijk exhibitions ON THIN ICE and UP TO NOW. Benoit’s his art is fascinating. He combines every day persons /objects into collages making them feel strange and surreal.
Een kopietje van Lichtenstein’s schilderij ¨I’VE HOOKED A BIG ONE¨ circuleerde al enige tijd in mijn atelier. Het fascineerde me vanwege de manier waarop Lichtenstein erin geslaagd was het typische Disney-idioom om te zetten in een goed lopend schilderij. Want in tegenstelling daarmee verzetten Disney’s tekeningen zich letterlijk nergens tegen de regels van het alledaagse zien. Ze sluiten zo direct mogelijk aan bij het meest voor de hand liggende, gaan altijd moeiteloos op in die allesverzengende brij van altijd geldende kijkgewoontes. Zo komt er in zijn tekeningen nooit een vorm voor die raadselachtig blijft. Altijd gaat het ene lusvormige onderdeel vloeiend over in het andere. De hele wereld is gereduceerd tot soepel in elkaar grijpende verzameling van krullen en cirkels – of het daarbij nu gaat om de snavel van Donald Duck, de kraag van zijn zeemansjasje of zijn veel te dikke eendenpoten. Zelfs de tekstballon wordt op die manier helemaal een met degene die hem uitspreekt. Dat maakt het nogal moeilijk om daar een goed schilderij van te maken. Ik vond het deste frappanter dat het Lichtenstein toch was gelukt.
Op een gegeven moment kwam dat fragment in de buurt van een reproductie van Caravaggio’s “Ongelovige Thomas” terecht en meteen viel me op hoe goed Donalds verwondering over zijn visvangst (dat is eigenlijk de vangst van zichzelf, want het haakje is in zijn eigen staart terecht gekomen) plotseling leek samen te vallen met de ontzetting waarmee Thomas Christus’ wond inspecteert. In de eerste plaats door het formaat van Donalds ogen, die daarom alleen al niet zozeer naar de wond als wel dwars door Jezus heen lijken te kijken. Het lijkt wel of ze zijn lichaam nog ’s extra doorboren met hun blik. Maar zeker ook doordat het krullende van Disney’s stijl de welving van de wond als het ware versterkt.
Bovendien realiseerde ik me tegelijkertijd hoe een drietal vormen van iconoclasme – twee oudere en een meer recente – op deze manier in één enkel beeld samenvielen. Die twee eerste vormen zaten al min of meer besloten in het schilderij van Caravaggio zelf. Die laatste werd door Donald Ducks aanwezigheid daaraan toegevoegd.
Wat ik bedoel is het volgende. Caravaggio’s versie van ´De ongelovige Thomas´ is op zichzelf een iconodulisch manifest in het kwadraat. Het drijft volgens mij namelijk hét centrale argument, dat de verdedigers van het beeld tegen zijn tegenstanders inbrachten, volledig op de spits. De tegenstanders van het beeld wezen er namelijk in eerste instantie op, dat het goddelijke als zodanig niet is af te beelden en dat dus elke poging het wel te doen uitloopt op blasfemie. Elke poging God in een beeld te vangen zou een daad van heiligschennis zijn.
Ter verdediging van het beeld wezen de iconodulen er vervolgens op dat het toch ook God zelf was, die besloten had zijn eigen zoon deel te laten nemen aan deze ‘goddeloze’ werkelijkheid van het ondermaanse. Waarom zou dan een andere verschijningsvorm, of liever: een andere vorm van incarnatie, daar dan geen getuigenis van mogen afleggen? De iconodulen wezen met andere woorden op de in hun ogen essentiële overeenkomst tussen de dubbele natuur van Christus en die van het beeld. Beiden namen gelijktijdig deel aan zowel de goddelijke als de wereldse dingen.
Nu speelde zich deze strijd tussen voor- en tegenstanders van het beeld af in de achtste en negende eeuw na Chr., dat wil zeggen meer dan achthonderd jaar, voordat Caravaggio zijn versie van de ongelovige Thomas schilderde. In de tussenliggende eeuwen was de houding van de kerk ten aanzien van het beeld totaal veranderd. Inmiddels was de schilderkunst al uitgegroeid tot een volkomen geaccepteerd propagandamiddel van de kerk en om die reden een belangrijk wapen geworden in de strijd tegen een geheel nieuw soort iconoclasme, dat van de protestanten.
Dat Caravaggio voor de kerk werkte ten tijde van de contra-reformatie, komt in zijn werk heel duidelijk tot uitdrukking. In de eerste plaats is daar de monumentaliteit en eenvoud van zijn composities. Hiermee kwam hij de voorstanders van de reformatie in zekere zin tegemoet. Want de eenvoud was uitdrukking van zijn verlangen terug te willen gaan naar de bron, dat wil zeggen te komen tot een zo direct mogelijk contact met datgene waar het in de bijbel om ging. Caravaggio deed er alles aan de toeschouwer ervan te doordringen, dat hij als het ware direct getuige was van datgene wat zich meer dan 1600 jaar geleden ooit had afgespeeld en dat hij zich daarop moest concentreren en niet op ingewikkelde, theologische toevoegingen van later datum. Ook een aantal andere, hele karakteristieke kenmerken van zijn werk zijn hierop terug te voeren. Zo gebruikte hij vaak als model hele volkse types, die in niets leken op de idealiserende kunst van de voorafgaande generaties. Een overdreven realistische weergave van handen of gezichten wijzen in die richting, maar vooral dus een uitgekiend gebruik van het door hem uitgevonden clair-obscur.
Gezien de achtergrond van het iconodulisch argument zou je kunnen zeggen dat Caravaggio op deze manier in zijn strijd tegen het tweede soort iconoclasme het inhoudelijke argument van het eerste radicaal versterkt. Want naarmate hij erin slaagde Jezus en zijn wond realistischer te schilderen, versterkt hij impliciet het iconodulische argument, dat uitgaat van de radicale overeenkomst tussen de goddelijke vlezigheid van Jezus én het materiële van het beeld.
In mijn eigen versie komt er dan nog een derde iconoclastisch gezichtspunt bij, dat te maken heeft met de reden waarom Lichtenstein in de jaren ’60 de hengelende Donald schilderde. Dat hing namelijk samen met een zoveelste beeldverbod, deze keer uitgevaardigd door een lid van de kunstgemeenschap zelf, namelijk de Amerikaanse kunstcriticus Clement Greenberg.
Voor de zoveelste keer is de houding ten aanzien van het beeld weer veranderd. Inmiddels heeft de zichzelf serieus nemende kunst de beschermende en beeldbepalende ruimte van de kerk al meer dan twee, drie eeuwen verlaten en is in staat gebleken geheel aan haarzelf gewijde ruimtes in het leven te roepen. En Greenberg wil nu dat de schilderkunst ook nog de laatste stap zet op weg naar de absolute autonomie; met het opgeven van de christelijke iconografie als leidraad heeft deze kunst volgens hem inmiddels ook de afbeeldende functie als zodanig verloren. Dus eist Greenberg de afschaffing van de figuratie als zodanig. Volgens hem heeft deze een optimale ontwikkeling van de kunst sinds eeuwen in de weg gestaan en kan de kunst alleen maar haar ware bestemming bereiken, als kunstenaars zich nog uitsluitend bezighouden met een onderzoek van het schilderij als plat vlak. En Lichtenstein’s schilderij van Donald Duck was op dat moment een bewuste stellingname tegen dit Greenbergiaanse (niet beeld- maar) afbeeldverbod. Lichtenstein heeft Donald Duck hier eigenlijk gebruikt om de schilderkunst te refigureren.
Tegen de achtergrond van deze derde laatste vorm van iconoclasme zou je nu kunnen zeggen dat de ongelovige Donald in dit schilderij namens Thomas en de ongelovige Clement een dubbel onderzoek verricht. Ten eerste naar de echtheid van Christus’wond en ten tweede naar de echtheid van het geschilderde. En in de visie van Greenberg betekent dat eigenlijk dan weer ten faveure van de afschaffing van de figuratie. En zo te zien vindt ie dat maar wat leuk. Want een en ander gaat gepaard met een enorme vondst: ´I’ve hooked a big one´. En die BIG ONE temidden van al dat iconoclastisch geweld, dat is hij natuurlijk zelf.
His first exhibition was in Dusseldorf in 1977, but he nver joined the NEUE WILDEN . A group of painters who were in vogue in those days. He felt himself more comfortable when compared with painters like Broodthaers and Picabia, who had an extra layer in their paintings.
His paintings look abstract, but when you study them in more detail you see that they are a complete abstract reproduction of reality. . Piccadilly/London, WTC New York and old houses in Gent can all be distinguished when you look long enough at the paintings.
The paintings look simple, but in reality they are very thought over and are complex and typical Daniels.
Rene Daniels has not had a long career …in 1987 he had a stroke and because of that had to finish his career at that moment as a painter. Since 2006 he paints again , but his style and approach to painting has changed, because of his motor skills are far less than before. But what he made in that very short period of nearly 10 years is of the highest quality and the museums that have work by Daniels should feel lucky to have it in their collections. You can find work(s) by Daniels in the collections of a.o. the van Abbemuseum, Gemeentemuseum Den Haag, Stedelijk Museum, Dordrechts Museum, Groninger Museum and Bonnefanten Museum
Perhaps a little bit forgotten, but still a very important sculptor is Richard Deacon. His works can be found in the Bonnefanten Museum and the Caldic collection ( all great sculptors can be found there;-)) and in the MUHKA, but you really have to search on the internet to find Deacon’s larger works on show. The constructions he makes are not intuitive , but constructed of little parts and pieces, screwed and bolted to each other making a construction typical Deacon. This is not an easy on the eye sort of art, but when you take your time , see the work interact with its surrounding, you must recognize that these are great sculptures. Deacon’s books are to be found at www.ftn-books.com
Artist/ Author: Oliver Boberg
Title : Memorial
Publisher: Oliver Boberg
Measurements: Frame measures 51 x 42 cm. original C print is 35 x 25 cm.
Condition: mint
signed by Oliver Boberg in pen and numbered 14/20 from an edition of 20